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瓦西里·康丁斯基（1866～1944）Kandinsky，Wassily俄裔法國畫家，藝術理論家。1866年12月4日生於莫斯科，早年在莫斯科學法律和政治經濟學，1896年移居慕尼黑開始拜師學習繪畫，作品參加過1906～1907年的巴黎秋季沙龍展覽。1909年，「新美術家協會」建立不久，他於1911年又另立「青騎士」團體(所謂「青騎士」，是取自康丁斯基和馬克出版的一本書和康丁斯基的一幅畫)。回到俄國以後，繼續在積極地進行上述活動。但由於他的抽象繪畫及其理論與蘇維埃政府提倡的社會主義現實主義相矛盾，才離開俄國而去柏林。[1]
1910年，他畫的，還只走了一小步，騎手和其他人物雖已變成了一些色塊和線條圖案，然而畫面的空間仍有自然形態。後來，他開始借音樂標題的方法來提示自己的潛在意圖，如「構圖」，「即興」、「抒情」等，即與音樂相類似。1914年，第一次世界大戰爆發，康丁斯基途經瑞士抵達俄國。1918年十月革命後，他被任命為主管美術的政府部門的工作人員，並擔任教職，直到1921年。他一共組建了22座博物館。1920年被任命為莫斯科大學教授。 1921年，他負責建立藝術與科學學院，並任副院長。同年底，由於藝術觀念的分歧而離開俄國。1921年以後因受至上主義和構成主義的影響，創作又由自由的、想象的抽象，轉向幾何的抽象，代表作如《白色的線》等。在以後的年代，他曾試圖把抒情的抽象和幾何的抽象有機結合起來，在幾何形的結構與造型中，配以光和色，既充滿幻想、幽默，也具有神秘色彩。著有、《論藝術的精神》、《關於形式主義》、等，闡述抽象藝術的理論。1922年，在德國被任命為設立在魏瑪的著名的鮑豪斯學院教授。康丁斯基這時的藝術活動是頻繁的。 1926年，他發表了第二部論著《從點和線到面》。這部著作中，康丁斯基進一步把純抽象因素作了想象的分析，說橫線表示冷，豎線表示熱，等等。1933年定居法國訥伊。作品多採用印象主義技法，又受野獸主義影響，被認為是抽象主義的鼻祖，主要作品均採用音樂名稱，諸如、《即興曲》、等。代表作組畫《秋》、均用抽象的線、色、形的動感、力感、韻律感和節奏感來表述季節的情緒和精神。1944年12月13日卒於法國塞納河畔的訥伊。
藝術風格
康丁斯基於1911年脫離慕尼黑新藝術家協會，陸續結識馬蒂斯和克利等人一起創立表現主義團體「藍騎士」(Blue Rider)。「藍騎士」一詞，產生於這年初冬康丁斯基與馬爾克的一次閒談。康丁斯基曾在其中回憶道：「我們都喜歡藍色。馬爾克喜歡馬，騎士則是我的主題。我們兩個很自然地說出「藍騎士」的名稱」。在青騎土社中，康丁斯基是最核心的人物。他是一位學識淵博的藝術家，早年曾在莫斯科大學攻讀法學和政治學，曾受聘為俄國一所大學的法律教授，也從事過業餘的人種志研究。他精通音樂，還系統鑽研過西方現代哲學，尤其信奉通神學和通靈術……。讓人不可思議的是，這位貌似斯文冷靜而性格內向的俄國人，竟象凡高一樣，內心總是燃燒着熾熱的感情之火。這位極度敏感的藝術家，能在那赤橙黃綠青藍紫的五顏六色之中，看見音樂的節奏與旋律。這使人油然想到詩人蘭波——蘭波能在字母A中想象出黑色的蒼蠅。 康丁斯基的繪畫，在1910年轉為徹底抽象之前，主要趨於野獸主義的風格。
他1896年從莫斯科來到慕尼黑之後，便全身心投入前衛藝術運動中去。他曾在巴黎渡過數月，在那裡接觸到印象主義、象徵主義、野獸派及立體派的繪畫。這對於他日後抽象繪畫的形成與演化提供了必要的啟示。
他認識到色彩在繪畫構成要素中占有首要地位。他發現高更和凡高的畫尤其將色彩的表現放在首位；在這兩位畫家那裡，把草地畫成紅色，要比將房子或人體變形容易得多。他還領悟到，色彩與線條具有象徵性的意義。
他也許對修拉在此方面的觀點有過專門的研究。事實上，修拉的有關繪畫不同要素(色彩、線條、調子、構圖、節奏等)的理論，幾乎預示着某種抽象藝術。因而，康丁斯基在他早期的繪畫中，特別強調色彩的表現力。他以濃重而明亮的色彩來表現自然風光，表現俄羅斯的民間故事，抒發其浪漫、詩意的情懷。
藝術分期
康定斯基的純抽象藝術並不是突如其來的。
美術學家「Hajo Duechting」把康定斯基按照藝術特徵劃分為六個時期：
初期(莫斯科1866年-1896年) 變形(慕尼黑1896年-1911年) 抽象的突破(藍騎士 1911年-1914年) 俄羅斯間奏曲(1914年-1921年) 點，線和面(包豪斯 1922年-1933年) 生物的抽象(巴黎 1934年-1944年)
青年和靈感
康定斯基在莫斯科的少年時代的生活賦予他諸多藝術靈感。在童年時代，他對色彩具有異乎尋常的感受力和非凡的記憶力。這可能由於他具有聯覺使得他如同看見色彩一樣清晰地聽見色彩。在莫斯科生活的年代他一直保持着這種對色彩的強烈興趣，儘管當時他還沒有顯出要鑽研藝術的傾向。 1889年康定斯基參加了一個民俗調查小組，對莫斯科北部的沃洛格達地區進行旅行考察。他研究了當地民間藝術中在深色背景上使用明亮色彩的騙人手法，這種手法在他早期作品中留下了痕跡。 幾年後康定斯基寫道「色彩是琴鍵，眼睛是錘子，而心靈則是鋼琴的琴弦」。
1896年，康定斯基剛好30歲，他放棄了教授法律和經濟學的有前途的教職，前往慕尼黑進入藝術學院。就在這一年離開莫斯科之前，他看到了莫奈的畫展，尤其是聆聽了對《乾草堆》的解說，對具有高度色彩感受力的他來講，這幅畫意味着色彩已經從物體本身得以解放。
藍騎士
在藝術學院，康定斯基的條件非常有利，他年長而且成熟，不僅作為繪畫的初學者，而且還作為一個真正的藝術理論家。儘管這一時期的作品估計相當多，可惜現存的很少。20世紀開始後，情況有所改觀。很多自然風景畫和城鎮畫都留了下來，這些畫用色粗厚，形象可辨。康定斯基的絕大多數畫都不強調人物，一個例外是「舊俄羅斯的星期天」（1904年），畫中農民和貴族站在城牆的前面，這是一幅重新創作的畫，色彩極其豐富，至於富於幻想那是當然的。
「馬上情侶」（1907年）描寫了馬背上的一對年輕人，男子溫柔小心地擁着女子，途經一座俄羅斯城堡，正準備涉河。馬在默默的走着，遠處城堡璀璨的夜色使河流和樹葉帶上了色彩斑斕的反光圓點。
「藍騎士」（1903）也許是康定斯基在1900年的最初十年裡的最重要作品。畫中一名騎士身披藍色斗篷，身跨白馬，飛速穿越一片山地牧場。騎士和馬匹在草地上落下的陰影是深藍色的。畫的前方有很多散亂的藍色陰影，可能是沒畫出來的樹影。藍騎士在繪畫中占有突出的地位，但沒有明確的定論，馬的步態不自然（康定斯基想必知道）。事實上有人認為騎士身攜一孩子，同樣也可以認為騎士還有另外一個陰影。康定斯基把騎士畫成一群色彩的組合，而並不注重細節。「藍騎士」與現代畫家的作品相比沒有特別卓著之處，但是它顯示了過不了幾年後康定斯基所要走的方向。
從1906年到1908年康定斯基花了很多時間週遊歐洲，最後在慕尼黑以外的小鎮落腳。「藍色的山」 （1908年 - 1909年）是這一期間的作品，顯示了他走向純粹抽象的傾向。一座藍色的山被左右兩顆大樹裹脅，一黃，一紅。三名騎士和其他徒步者組成的行列在畫的底邊穿越。騎士的臉，衣服和馬鞍都塗成單色，騎士和徒步者根本沒有細節描寫。「藍色的山」畫中的色彩使用法顯示了康定斯基進入了一個獨立於形態的，只表現色彩本身的藝術境界。
除了繪畫，康定斯基還取得了作為美術理論家的發言權。他協助建立了慕尼黑新藝術家協會並在1909年成為會長。由於這一團體不能整合象康定斯基那樣的徹底革新的藝術手法和傳統藝術理念的矛盾，在1911年宣布解散。康定斯基於是着手建立一個新的藝術團體「藍騎士」，結集了具有相似志向的藝術家，比如弗朗茨·馬克。這一團體發行一本年鑑，也命名為「藍騎士」，曾舉辦過兩次畫展。年鑑和畫展原計劃多次進行，由於1914年第一次世界大戰的爆發而終止。康定斯基途經瑞士和瑞典返回俄羅斯。
康定斯基在《藍騎士年鑑》發表的文章和同年撰寫的論文《論藝術的精神》幾乎在同一時期問世，對抽象藝術來說既是衛護，又是推進。文中還論證了所有形式的藝術都具有到達某種精神高度的同等能力。他相信在繪畫中，色彩可以作為一種自主的東西，游離於物體或者任何其它形態的視覺描述而獨成一體。另外，他還有一部名為《點、線、面》的藝術理論著作。
作品分析
他畫的，還只走了一小步，騎手和其他人物雖已變成了一些色塊和線條圖案，然而畫面的空間仍有自然形態。後來，他開始借音樂標題的方法來提示自己的潛在意圖，如「構圖」，「即興」、「抒情」等，即與音樂相類似。通過線條、色彩、空間和運動來傳達藝術家的感情意識，不再參照自然物。這一幅《構圖—7號的初稿》已使我們領略到這時期的思考方法。畫上色彩狂亂，紅、黑、藍、黃飛速地交融着，熱情奔放，儘管如此，觀者仍能找到畫家形象思維中的某些痕跡。在第一次世界大戰期間，他的抽象畫重在表現「內心的和本質的」感情，輕視以前那種表面和偶然的東西。他說他要表達「更優美的感情，雖然這種感情是莫可名狀的」。他非常喜歡用「構圖」這個詞，他覺得這個詞更為「神聖」。
1914年，他畫了第一幅，並運用水彩顏料。這幅《即興》，已多少蘊含着豐富的情感表現了。康丁斯基是一個神學理論的信徒，其實他講不清自己的理論。但他相信，藝術在某些先驗的意義上，能夠糾正知識。對這一點他似乎十分堅信。他說：「藝術所賴以生存的精神生活，是一種複雜而又確切的，超然世外的運動。這種運動能夠轉化為天真(Simplicity)，這就是人的認識活動。」 1921年後，康丁斯基的抽象作品明顯地帶有他在俄羅斯的那個時期的影響，變得接近幾何形狀了。早期一系列即興作品中那種詩意的流暢，被建築師的曲線板和丁字尺畫出的一種新的、光邊的、有規律的圓形所代替。以後這種精確的新風格有時也趨向柔和，但康丁斯基的審美觀中始終保留着幾何圖形。作於1913年，78×100厘米大，現歸瑞士伯爾尼一私人(Fellxklee)收藏；《即興》作於1914年，124×73厘米大，現藏德國慕尼黑國立美術館。 康丁斯基在1910年創作了第一幅抽象水彩畫作品，此畫被認為是抽象表現主義形式的第一例，標誌着抽象繪畫的誕生。在這幅畫中，我們看不到可以辨認的具體物象，畫家摒棄了繪畫中一切描繪性的因素，純粹以抽象的色彩和線條來表達內心的精神。這是康丁斯基與其他畫家的不同之處，也是他用一種新的創作方法試驗的第一幅作品，不同於以往他所創作的任何作品，成為他創作的新起點。他認為藝術創作的目的不是捕捉對象的外形，而在於捕捉其內在精神。因此，他一直努力試驗擺脫外形的干擾，嘗試用水彩和鋼筆素描的效果來揭示對象的精神。這幅畫就是他試驗的結果。在畫面中，除了一團團大大小小的色斑和扭曲、激盪的線條以外，我們幾乎看不到其他東西。畫家還用淡淡的奶油色打底，造成了一種如同夢幻般的效果，而筆觸又是輕盈和快樂的，一切都沒有規則性，似乎是在精神世界中一閃而過的東西卻又無法清晰地辨認出來。
在他的繪畫中，我們還能感覺到一種如同音符般的因素存在，有一種與音樂相通的氣質。他認為現有的繪畫方式無法表達他內心的感受，他需要一種純繪畫，看時應像聽音樂一樣具流動性。當繪畫從具象走向抽象，光靠繪畫本身是不能為大家接受的。新的畫風應該有新的欣賞標準。這時候理論與創作就起到同等重要的作用。他曾說過：「一張紙上蓋滿按照某種次序排列的色彩與線條，在不懂的人的眼裡，等於是一張白紙。」他必須說出這麼一幅作品創作的緣由。他開始借音樂標題的方法來提示自己的潛在意圖，如「構圖」、「即興」、「抒情」等，即與音樂相類似。通過線條、色彩、空間和運動來傳達藝術家的感性意識，不再參照自然物。 康丁斯基在1913年創作的可以稱為是一支音樂狂想曲。這是他作品中畫幅最大的一幅，也是超越他以往其他作品的傑出成就的作品之一，因此用「狂想」來形容也不為過。初看這幅畫時，給人的感覺是異常迷亂，同時也可以感受到康丁斯基構圖的技巧，因為畫面中有着無數的重疊和變化的布置。並且每一個形體都有着自己的法則，每一個法則又在這個整體中發揮着強大的衝擊力，使畫面本身充滿着律動感，又如同一部偉大的交響樂。在畫面中較為突出的是，畫面中央出現的黑色的點和線，像旋風一樣牽動着整個畫面的色彩，具有強烈的傾向性。
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書籍名稱： 作者：康丁斯基 譯者：楊振宇 頁數：182 出版社：浙江文藝出版社 裝幀：平裝 出版年：2005年01月01日 簡介：康丁斯基是畫家，也是詩人，劇作家，批評家，策展人，著述龐雜，影響深遠。他不僅能用調色板來傳達對世界的發現，也能用文字表達自己的感悟。翻開他的文字，感到灼人的色彩的衝擊和藝術的激情，那種源自對藝術的熱愛和發自「內在需求」的高貴品性在字裡行間表露得淋漓盡致。本書寫於1913年，當時畫家47歲，人在中年，發現了老大師們沒有發現的藝術堂奧，建立起了自己藝術世界的規則，他回想在故鄉莫斯科度過的早年歲月，滿懷激情地注視着未來。此時的畫家，神定氣閒，身心俱澄，用筆深致而沉着。本書呈現的是關於個人成長的記憶，但絕非大師的自戀，它屢涉藝術奧義，卻不只是大師藝術的註腳。