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他画的，还只走了一小步，骑手和其他人物虽已变成了一些色块和线条图案，然而画面的空间仍有自然形态。后来，他开始借音乐标题的方法来提示自己的潜在意图，如“构图”，“即兴”、“抒情”等，即与音乐相类似。通过线条、色彩、空间和运动来传达艺术家的感情意识，不再参照自然物。这一幅《构图—7号的初稿》已使我们领略到这时期的思考方法。画上色彩狂乱，红、黑、蓝、黄飞速地交融着，热情奔放，尽管如此，观者仍能找到画家形象思维中的某些痕迹。在第一次世界大战期间，他的抽象画重在表现“内心的和本质的”感情，轻视以前那种表面和偶然的东西。他说他要表达“更优美的感情，虽然这种感情是莫可名状的”。他非常喜欢用“构图”这个词，他觉得这个词更为“神圣”。

　　1914年，他画了第一幅，并运用水彩颜料。这幅《即兴》，已多少蕴含着丰富的情感表现了。康丁斯基是一个神学理论的信徒，其实他讲不清自己的理论。但他相信，艺术在某些先验的意义上，能够纠正知识。对这一点他似乎十分坚信。他说：“艺术所赖以生存的精神生活，是一种复杂而又确切的，超然世外的运动。这种运动能够转化为天真(Simplicity)，这就是人的认识活动。” 1921年后，康丁斯基的抽象作品明显地带有他在俄罗斯的那个时期的影响，变得接近几何形状了。早期一系列即兴作品中那种诗意的流畅，被建筑师的曲线板和丁字尺画出的一种新的、光边的、有规律的圆形所代替。以后这种精确的新风格有时也趋向柔和，但康丁斯基的审美观中始终保留着几何图形。作于1913年，78×100厘米大，现归瑞士伯尔尼一私人(Fellxklee)收藏；《即兴》作于1914年，124×73厘米大，现藏德国慕尼黑国立美术馆。

康丁斯基在1910年创作了第一幅抽象水彩画作品，此画被认为是抽象表现主义形式的第一例，标志着抽象绘画的诞生。在这幅画中，我们看不到可以辨认的具体物象，画家摒弃了绘画中一切描绘性的因素，纯粹以抽象的色彩和线条来表达内心的精神。这是康丁斯基与其他画家的不同之处，也是他用一种新的创作方法试验的第一幅作品，不同于以往他所创作的任何作品，成为他创作的新起点。他认为艺术创作的目的不是捕捉对象的外形，而在于捕捉其内在精神。因此，他一直努力试验摆脱外形的干扰，尝试用水彩和钢笔素描的效果来揭示对象的精神。这幅画就是他试验的结果。在画面中，除了一团团大大小小的色斑和扭曲、激荡的线条以外，我们几乎看不到其他东西。画家还用淡淡的奶油色打底，造成了一种如同梦幻般的效果，而笔触又是轻盈和快乐的，一切都没有规则性，似乎是在精神世界中一闪而过的东西却又无法清晰地辨认出来。

　　在他的绘画中，我们还能感觉到一种如同音符般的因素存在，有一种与音乐相通的气质。他认为现有的绘画方式无法表达他内心的感受，他需要一种纯绘画，看时应像听音乐一样具流动性。当绘画从具象走向抽象，光靠绘画本身是不能为大家接受的。新的画风应该有新的欣赏标准。这时候理论与创作就起到同等重要的作用。他曾说过：“一张纸上盖满按照某种次序排列的色彩与线条，在不懂的人的眼里，等于是一张白纸。”他必须说出这么一幅作品创作的缘由。他开始借音乐标题的方法来提示自己的潜在意图，如“构图”、“即兴”、“抒情”等，即与音乐相类似。通过线条、色彩、空间和运动来传达艺术家的感性意识，不再参照自然物。 康丁斯基在1913年创作的可以称为是一支音乐狂想曲。这是他作品中画幅最大的一幅，也是超越他以往其他作品的杰出成就的作品之一，因此用“狂想”来形容也不为过。初看这幅画时，给人的感觉是异常迷乱，同时也可以感受到康丁斯基构图的技巧，因为画面中有着无数的重叠和变化的布置。并且每一个形体都有着自己的法则，每一个法则又在这个整体中发挥着强大的冲击力，使画面本身充满着律动感，又如同一部伟大的交响乐。在画面中较为突出的是，画面中央出现的黑色的点和线，像旋风一样牵动着整个画面的色彩，具有强烈的倾向性。